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摄影术的发明，冲击了欧洲绘画艺术，因此欧洲艺术界一开始并未接纳摄影。在体现官方意志的沙龙展览上，只有1859年的巴黎沙龙将法国摄影家居斯塔夫·勒格雷德九幅珂罗法的照片先与平板印刷品挂在一起，后来又被移置到科学展厅。故严格上说，并没有严格意义上的摄影沙龙。1853年，第一个摄影组织--伦敦摄影学会在英国成立。它就是英国皇家摄影学会的前身，当时只是一个区域性的组织，由皇室的艺术顾问查尔斯·伊斯特莱克爵士(Sir Charles Eastlake)担任第一任会长。直到1874年，该学会易名为大英帝国摄影学会。1894年，由于维多利亚女皇成为学会的赞助人，学会才改名为英国皇家摄影学会(RPS)。当时的皇家摄影学会注重的是摄影技术上的成果展示，带有推动摄影科学发展的倾向。直到1891年，奥地利的维也纳沙龙展览才接纳摄影，并按绘画的标准评选摄影作品。这是第一个按艺术标准而不是按技术标准进行评选的沙龙摄影展览。当时由11位画家组成的评委会筛选了4000多幅摄影作品，从中挑出600幅展出。为了纯洁摄影展览的艺术性，这次沙龙展览不设奖项，避免商业比赛的色彩。维也纳沙龙突出艺术性的成功尝试，立即为两年之后的英国连环兄弟会(Linked Ring Brotherhood，创建于1892年)举办摄影沙龙展时所借鉴。
连环兄弟会由一些有钱的爱好摄影的绅士们组成，他们是弗里德里克·H·伊文思(Frederick H. Evans)、詹姆斯·克雷格·安南(James Craig Annan)、亨利·皮奇·罗宾逊(Henry Peach Robinson)等。连环兄弟会成立的初衷是与皇家摄影学会进行对抗。其成员认为皇家摄影学会是艺术摄影发展的障碍，并认为后者请一些根本不懂摄影的画家和雕塑家来评判摄影是不公正的。此外，他们认为不能将摄影只定义于科学范围内，摄影的艺术属性是应凸显的。在艺术的唯一标准下，不能对摄影作品进行高下的奖别判断。现在看连环兄弟会的主张，不能排除在摄影名义背后肯定存在的名利之争，但希望摄影由旧有的文化势力、及从属于绘画艺术的阴影下摆脱出来，却代表了越来越成熟的新一代摄影家的愿望。由此，连环兄弟会将有志于摄影艺术化的一群画意主张的摄影家们团结了起来，成功地树起了摄影艺术的旗帜。这是一项让摄影从组织制度上独立于传统绘画艺术界的关键举措。连环兄弟会为剥离早期沙龙的官方色彩，为了严肃而崇高的理想，1893年的展览不设奖项，也不设理事会，只是一个松散的艺术家联盟。他们在世界范围内征选作品，影响一下扩大。他们的做法后来被法国画意派的巴黎摄影俱乐部和其他欧洲国家的类似的沙龙展览所效法。连环兄弟会吸引了一大批当时最新锐的摄影家，几乎将当时世界上画意摄影最有成就的摄影家们都网罗了进来，甚至还将最终将他们埋葬的美国年轻摄影家艾尔弗雷德·施蒂格利兹(Alfred Stieglitz)也吸引进来，使之成为骨干力量。施蒂格利兹也带领后来成为他领导的摄影分离派的其他成员参加连环会的活动，并强势主宰和控制了连环会，最终导致了一场关于连环会是属于英国还是其他地方的利益争论，直至导致连环会解体。连环会后来被几个英国摄影家重组，更名为伦敦摄影家沙龙，继续坚持画意摄影的艺术主张。而施蒂格利兹则开始经营1902年在纽约成立的摄影分离小组，并经过二十多年的发展，使之逐渐蜕变为一支坚持摄影独立美学特征的力量。由此，承载在沙龙展览制度这个形式之上兴旺发达了近四十年的画意摄影运动，在上世纪20年代中期基本结束。曾经极其活跃的施蒂格利兹在1922年写道："我的目的是使我的照片看上去确实像照片(而不是像绘画、蚀刻版画等)，要使人一看之后永远难忘。"他的这段话，可以看作是摄影观念史上的一个重要的拐点。其后的历史也证明了这一点，美国的摄影开始朝着摄影的纪实性发展，与越来越蓬勃发展的传媒业结合，走上了以传媒摄影为主干的道路。欧洲在美国摄影的影响下也出现变革，但艺术摄影的传统则还有微弱但持续的保持，后来渐渐加入现代主义的一些成分。
至此，我们可以对"沙龙"的词义做个历史性的梳理。早期的沙龙，是一种聚会，是一种交流的媒介和平台;中期的沙龙，是一种艺术展览制度和展览形式的代名词;后期的沙龙，则是一种摄影美学的历史概念，它和画意摄影现象有着直接的渊源性的关系，甚至是可以通用的概念，这是因为中后期的沙龙作品基本是以画意摄影为主。此外，后期的沙龙组织制度性也演变成一些公司性的社会组织和传媒以牟利为目的的商业游戏。他们发明了一整套游戏规则，以鼓励更多的摄影爱好者参与。沙龙摄影实行的年度积分制，然后以积分评选"世界×杰"的游戏规则，最具代表性。这样的游戏，实在是和严肃的艺术没有什么关系了。在中国，这样的游戏很长一段时间主办方更多的是各级政府组织，这是一个世界上的特例。现在，这种活动基本是各个专业传媒包办了，成为媒体刺激读者订阅的常规活动。长期以来，人们对沙龙一词的概念理解十分含混，导致在阐释和解读时的许多误区，所以今天将其进行一次彻底的梳理是必要的。
下面我们把沙龙摄影从美学维度进行讨论。
重新认识作为摄影史上重要现象的沙龙摄影，在今天看来仍然是有现实价值的。首先我们必须明白沙龙摄影的美学主张和特征是什么，它对我们今天的摄影还有什么意义。摄影不到两百年的历史，伴随着人类社会从手工艺术转进到工业复制艺术的巨大变革过程，并成为这场巨变的始作俑者。摄影诞生之初，遭到传统艺术力量的排斥和强烈拒绝，被认为只有"术"而缺少"艺"，也就是说摄影只有技术，而缺少那种必须经过长期训练才能掌握的、融注了艺术家个性表达的技艺。这种态度既来自长期以来人们关于艺术的观念，更是一种行业利益排斥的借口--用现在的话来说，就是不愿意这个新闯入者来搅和本来平衡的社会利益格局。但任何新的事物都会改变既往的历史，这尤其是人类进入工业技术化时代以来的历史规律。摄影家们为了挤进既有的艺术殿堂，就必须先遵循既有的规则，那就是向传统靠拢，向同属于平面视觉艺术的绘画靠拢，以争取其艺术地位的合法性。这既是一种策略，也是一种无奈。在经过初期技术努力之后，摄影的思维方式和制作手段都是向绘画看齐的。他们用摄影模仿绘画艺术，前期使用模特、布景，后期暗房制作时采用剪贴拼印合成等方法。这种技术在当时绝对属于非常先进的技术。大家熟知的雷兰达(Oscar G. Rejlander)的《人生的两条路》(The Two Ways of Life)、罗宾逊(Henry Peach Robinson)的《消逝》(Fading Away)，都是这样的合成作品，其创作方式都是绘画式的，是先构思，再摆拍，然后拼印合成。这时这种摄影自诩为"高艺术"(High Art)流派，其方式完全不同于后来最能体现摄影本体特征的瞬间抓拍方式，在本质上和任何传统艺术的创作方式都是一样的，只是笔被照相机所代替;颜色被感光乳剂所代替。在这个过程中，艺术家(摄影家)会在每个环节精雕细琢，而且有充足的时间来不断强化效果。其创作是渐进式的，而不是突发性的。先构思，也就是后来我们所称的主题先行，决定了作品叙事风格的主题性和典型性;同时，它也往往会导致艺术家的形象思维进入重大题材和经典性叙事的倾向。雷兰达的《人生的两条路》就是这种重大题材的典型作品。随着工业科技的进步，摄影的科技也迅速改进，影像合成已经不必以拼贴为手段，而可以直接通过暗房洗印技巧完成。但严格的控制和精心的制作却是沙龙画意摄影的精髓精神。由于在制作上的这种态度，也导致画意摄影家更多地关注作品的完成效果，注意画面结构的完整性和和谐性。而完整和和谐则是早期美学的最基本的要求，也就是一般人们所认为的"艺术美"。作为画意摄影在画幅形态上的"美"，具体的表现特征是：
1. 用光讲究，要有极其丰富的影调层次表现，能够以影调营造空间的立体感觉和各种被摄介质的质感表现;
2. 构图要和谐，画面上影调的轻重比例适度，能够通过对被摄对象的比例控制构图来制造稳定感;
3. 经常用柔焦来制造迷离朦胧的效果，在早期这种手法非常普遍。
4 大量尝试各种材料的新奇效果，以摆脱摄影对现实的直接复制感，制造绘画的效果。
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