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抽象艺术在现代艺术的发展中有着举足轻重的地位，因为它在过去的一个世界，一直是推动各种艺术运动的重要力量，从至上主义和构造主义的乌托邦几何图形，到轴向表现主义的奔放豪迈的笔触，再到欧普艺术的感性主题，都离不开它的影响。因为抽象艺术去除细节、表现本质的特性，以及它综合使用各种不同材料的可能性，让它成为一种能够沟通各个不同艺术领域、链接各个不同地区、打破各种族群界限的世界语，为艺术家提供了丰富多样的艺术语言，在当今的艺术创作中继续发挥着重要作用。继刚刚完成的“抽象艺术的出现：1910——1925”之后，纽约现代艺术博物馆从3月到9月举办另一个关于抽象以后的特展，“印刷媒介上的抽象艺术新生代”，想通过展示现代艺术博物馆在印刷品和插图方面的收藏，诠释抽象艺术在新的一代技术支持下的新特征。
因为展出的使用印刷记住制作的抽象作品，这个展览突出了印刷工艺所固有的技术流程（如层叠、转印、复制等等）为抽象艺术创作所提供的丰富实验土壤。展览标题中的“新生代”并不仅仅指展出的艺术家的年龄段——他们中的很多人都是二十一世界初期出现的艺术家，而且也指出他们的新一代创作手段。他们通常采用树脂技术、使用现成材料、或者利用形式的无限排列组合。这个展览展出了在1980年代末1990年代初颇具影响力的约翰•阿姆莱德（John Armleder）、雪莉•莱文（Sherrie Levine）、和斯蒂芬•普利那（Stephen Prina）的作品，很多作品是首次公开展出。
展览入口外面，与展览的大标题并列的是利阿姆•吉利克（Liam Gillick）创作于2011年的六幅丝网印刷系列中的《牙科》。吉利克这个系列的另外两幅作品也分别布置在展览的中间和结尾处。吉利克在这个系列的作品中，以建筑结构为灵感，结合使用了几何图形、形式和色彩排列组合、复制、变化背景颜色等等现代艺术创作手段。这里还展出了他的另一个有机玻璃结构装置作品。他这些色彩艳丽的作品，成为以单色作品为主的展厅中跳动的亮色。走进展厅的玻璃门，迎面摆放的，是托芭•奥尔巴赫（Tauba Auerbach）制作的切纸折叠模型。她的这组作品的灵感来自于儿童读物中的三维内插画的启发。奥尔巴赫的兴趣点在于揭示人类感知能力，特别是人类如何构想和创作我们所熟知的三维空间。在这些作品中，她将平面折叠的切纸模型展开成为精心构建的立体结构，为了突出从二维到三维空间的转换，她将这组作品命名为[2,3]用数字中的2和3之间的区分来比喻这组作品在二维和三维空间之间只有转换的能力。
展览中最早的作品是雪莉•莱文（Sherrie Levine）1989年创作的四副木刻《熔化》。它们的灵感来自于四位早起现代主义艺术家的经典作品：马塞尔•杜尚（Marcel Duchamp）、恩斯特•路德维格•克什内尔（Ernst Ludwig Kichner）、皮埃•蒙德里安（Piet Mondrian）、和克劳德•莫奈（Claude Monet）。莱文将四位大师的经典作品拍照，将照片扫描，然后用计算机软件将扫描的数字文件处理成12像素的图像。经过如此简化处理后的图像被用做木刻的参照，去除了所有的细节、笔触、以及可以区分这些大师级作品的任何痕迹，将他们转化成为不同的抽象图案。
自1980年代出道以来，莱文一直处于艺术作品原创性讨论的中心。她开创了挪用的先河，经常复制处理二十世纪著名的男性艺术大师的作品，将复制品成为自己的作品。她这种创作手法对艺术界产生了巨大的影响，很多在如今的互联网文化中长大的艺术家继承了她的这种创作手法，也继承了她对于原创唯一性的质疑。
切尼•汤普森（Cheyney Thompson）的《Robho色系与储物架》也是从现代艺术史中寻找灵感的例子。不过，他将历史和现实的碰撞中得到灵感。这个作品基于1960年代推崇动态艺术的法国杂志《Robho》（1967-71），作品主题却是当今艺术市场中的日常物品。在这个装置中，5组胶印画均被摆为X形。每组胶印画都是代理艺术家作品的纽约安德鲁•克里普斯画廊拍摄的五张储物架照片，照片记录了艺术品在大众视线之外的商业空间里的位移轨迹。
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